(1866年12月16日－1944年12月13日)
1911 年之後，康定斯基陸續結識馬蒂斯和克利等人一起創立表現主義團體「藍騎士」﹝Blue Rider﹞，並且共同辦畫展，也因為有他們的推動，表現主義得以盡情的發展。到了 20 年代，康定斯基的作品有很大的改變，由早期的浪漫式幻想轉為幾何圖形的構圖。1922 年，他到包浩斯﹝Bauhaus﹞設計學院當教員時，正是他藝術創作的高潮時期。康定斯基對於包浩斯設計學院基礎課程的貢獻有兩個方面，包括分析繪畫和對色彩與形體的理論研究。他要求學生設計色彩與形體的單體，然後把這些單體進行不同的組合，從中研究形體與色彩的結構方式和產生的藝術效果。他的教學是從完全抽象的色彩形體理論開始，然後逐步把這些抽象的內容與具體的設計聯系起來。 康定斯基在他後期的創作中，融合了自己早期直覺式的畫風和後來的幾何圖形風格，這些無疑為他的作品增添了一種新的理念。他是一位能將色彩與音樂等同起來的畫家，讓人們能夠「聆聽」繪畫，「描繪」音樂。
與皮特·蒙德里安和馬列維奇一起，康丁斯基被認為是抽象藝術的先驅。他還與其他人共同成立了一個為時不長但很有影響力的藝術團體「藍騎士」。康丁斯基的繪畫售價曾近一千五百萬美元。索羅門·古根海姆美術館是康丁斯基作品的最大藏家之一。康丁斯基具有聯覺（知覺混合）的能力，他可以十分清晰地聽見色彩。這一效果對他的藝術產生主要影響。他甚至把他的繪畫命名為「即興」和「結構」，仿佛它們不是繪畫而是音樂作品。
「藍騎士」（1903）也許是康丁斯基在1900年的最初十年里的最重要作品。畫中一名騎士身披藍色斗篷，身跨白馬，飛速穿越一片山地牧場。騎士和馬匹在草地上落下的陰影是深藍色的。畫的前方有很多散亂的藍色陰影，可能是沒畫出來的樹影。藍騎士在繪畫中占有突出的地位，但沒有明確的定論，馬的步態不自然（康丁斯基想必知道）。事實上有人認為騎士身攜一孩子，同樣也可以認為騎士還有另外一個陰影。康丁斯基把騎士畫成一群色彩的組合，而並不注重細節。「藍騎士」與現代畫家的作品相比沒有特別卓著之處，但是它顯示了過不了幾年後康丁斯基所要走的方向。
從1906年到1908年康丁斯基花了很多時間週遊歐洲，最後在慕尼黑以外的小鎮落腳。「藍色的山」 （1908年 - 1909年）是這一期間的作品，顯示了他走向純粹抽象的傾向。一座藍色的山被左右兩顆大樹裹脅，一黃，一紅。三名騎士和其他徒步者組成的行列在畫的底邊穿越。騎士的臉，衣服和馬鞍都塗成單色，騎士和徒步者根本沒有細節描寫。「藍色的山」畫中的色彩使用法顯示了康丁斯基進入了一個獨立於形態的，只表現色彩本身的藝術境界。
美術學家「Hajo Duechting」把康丁斯基按照藝術特徵劃分為六個時期：
- 初期(莫斯科1866年-1896年)
- 變形(慕尼黑1896年-1911年)
- 抽象的突破(藍騎士 1911年-1914年)
- 俄羅斯間奏曲(1914年-1921年)
- 點，線和面(包浩斯 1922年-1933年)
- 生物的抽象(巴黎 1934年-1944年)
- 他畫的《構圖2號》，還只走了一小步，騎手和其他人物雖已變成了一些色塊和線條圖案，然而畫面的空間仍有自然形態。後來，他開始借音樂標題的方法來提示自己的潛在意圖，如「構圖」，「即興」、「抒情」等，即與音樂相類似。通過線條、色彩、空間和運動來傳達藝術家的感情意識，不再參照自然物。這一幅《構圖?7號的初稿》已使我們領略到這時期的思考方法。畫上色彩狂亂，紅、黑、藍、黃飛速地交融著，熱情奔放，儘管如此，觀者仍能找到畫家形象思維中的某些痕迹。在第一次世界大戰期間，他的抽象畫重在表現「內心的和本質的」感情，輕視以前那種表面和偶然的東西。他說他要表達「更優美的感情，雖然這種感情是莫可名狀的」。他非常喜歡用「構圖」這個詞，他覺得這個詞更為「神聖」。
1914年，他畫了第一幅《即興》，並運用水彩顏料。這幅《即興》，已多少蘊含著豐富的情感表現了。康丁斯基是一個神學理論的信徒，其實他講不清自己的理論。但他相信，藝術在某些先驗的意義上，能夠糾正知識。對這一點他似乎十分堅信。他說：「藝術所賴以生存的精神生活，是一種複雜而又確切的，超然世外的運動。這種運動能夠轉化為天真(Simplicity)，這就是人的認識活動。」
1921年後，康丁斯基的抽象作品明顯地帶有他在俄羅斯的那個時期的影響，變得接近幾何形狀了。早期一系列即興作品中那種詩意的流暢，被建築師的曲線板和丁字尺畫出的一種新的、光邊的、有規律的圓形所代替。以後這種精確的新風格有時也趨向柔和，但康丁斯基的審美觀中始終保留著幾何圖形。《構圖-7號的初稿》作於1913年，78×100厘米大，現歸瑞士伯爾尼一私人(Fellxklee)收藏；《即興》作於1914年，124×73厘米大，現藏德國慕尼黑國立美術館。
康丁斯基在1910年創作了第一幅抽象水彩畫作品，此畫被認為是抽象表現主義形式的第一例，標誌著抽象繪畫的誕生。在這幅畫中，我們看不到可以辨認的具體物象，畫家摒棄了繪畫中一切描繪性的因素，純粹以抽象的色彩和線條來表達內心的精神。這是康丁斯基與其他畫家的不同之處，也是他用一種新的創作方法試驗的第一幅作品，不同於以往他所創作的任何作品，成為他創作的新起點。他認為藝術創作的目的不是捕捉對象的外形，而在於捕捉其內在精神。因此，他一直努力試驗擺脫外形的干擾，嘗試用水彩和鋼筆素描的效果來揭示對象的精神。這幅畫就是他試驗的結果。在畫面中，除了一團團大大小小的色斑和扭曲、激蕩的線條以外，我們幾乎看不到其他東西。畫家還用淡淡的奶油色打底，造成了一種如同夢幻般的效果，而筆觸又是輕盈和快樂的，一切都沒有規則性，似乎是在精神世界中一閃而過的東西卻又無法清晰地辨認出來。- 在他的繪畫中，我們還能感覺到一種如同音符般的因素存在，有一種與音樂相通的氣質。他認為現有的繪畫方式無法表達他內心的感受，他需要一種純繪畫，看時應像聽音樂一樣具流動性。當繪畫從具象走向抽象，光靠繪畫本身是不能為大家接受的。新的畫風應該有新的欣賞標準。這時候理論與創作就起到同等重要的作用。他曾說過：「一張紙上蓋滿按照某種次序排列的色彩與線條，在不懂的人的眼裡，等於是一張白紙。」他必須說出這麼一幅作品創作的緣由。他開始借音樂標題的方法來提示自己的潛在意圖，如「構圖」、「即興」、「抒情」等，即與音樂相類似。通過線條、色彩、空間和運動來傳達藝術家的感性意識，不再參照自然物。
《構成第七號》
康丁斯基在1913年創作的《構成第七號》可以稱為是一支音樂狂想曲。這是他作品中畫幅最大的一幅，也是超越他以往其他作品的傑出成就的作品之一，因此用「狂想」來形容也不為過。初看這幅畫時，給人的感覺是異常迷亂，同時也可以感受到康丁斯基構圖的技巧，因為畫面中有著無數的重疊和變化的布置。並且每一個形體都有著自己的法則，每一個法則又在這個整體中發揮著強大的衝擊力，使畫面本身充滿著律動感，又如同一部偉大的交響樂。在畫面中較為突出的是，畫面中央出現的黑色的點和線，像旋風一樣牽動著整個畫面的色彩，具有強烈的傾向性。
《構成第八號》
1922 年，康丁斯基加入包浩斯學校，成為教師之後，發現這裡對他追求藝術創作相當支持。在包浩斯的環境裡，德國表現主義的手法，到了 1920 年代中期，發展成為當時藝術主流的構成主義。康丁斯基於是運用顏色與造形表現心理與精神效果。在《構成第八號》這件作品裡，幾何造型所形成的震盪場面，不斷在動感與沈著，進取與平靜之間製造反覆的效果。左上角的圓圈是這幅畫的主角，它代表宇宙間一個個協調的圓圈。康丁斯基為這圓圈解釋說：「它是許多對立的融合，它集合向心與離心於一形，並使之平衡。」
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